Mono - Hymn To The Immortal Wind

大爱Mono最近两张专辑，我就是喜欢他们煽情，年底还看到了现场，完美了

重塑雕像的权利 - Watch Out! Climate Has Changed, Fat Mum Rises...

国内我最喜欢的乐队，专辑和现场都不输给任何大牌乐队，尤其是现场，没看过的一定要去看

Harold Budd & Clive Wright - Candylion

这两年我喜欢的几个氛围类艺人作品还是挺多的，Harold Budd和Clive Wright连续合作了两张，这张比前一张舒服多了，氛围音乐本来也就图个听的舒服

The Dead Weather - Horehound

Jack White参与的乐队我基本上照单全收，The Dead Weather比The Raconteurs要更根源，据说已经在准备新专辑了，很期待，另外The White Stripes明年也要发行10周年纪念演出的DVD

Robin Guthrie - Carousel

Robin Guthrie今年很勤奋，保持了一张专辑配2张EP的同时还和John Foxx合作了一张专辑，这个出产率怎么都得给他留有一席之地了

Porcupine Tree - The Incident 

Signify后我最喜欢的一张，终于不再是前几张那样干巴巴的(伪)前卫金属了，概念专辑的设定让整张唱片张弛有度很有起伏，虽然Steven Wilson的唱还是那么的弱...

Alice In Chains - Black Gives Way To Blue

宝刀不老，虽然新主唱基本上只是个和声的，不过音乐保留了Alice In Chains的所有优点和特质，阴郁的riff木吉他小品动听的和声水准依旧，同样重组发片的Creed相比之下简直可以羞愤自尽了

Giardini di Mirò - Il Fuoco

这是一个惊喜，本来是一个快被遗忘的名字，发片数月后我才得知，名为“火”的概念专辑却异常好听。他们每张专辑风格都不太一样，这张比较回归传统的器乐后摇，加入了些许小提琴钢琴铜管让整张专辑透着一股幽怨的色彩，犹豫再三之后还是拿这张取代了Caspian今年的新专（不过要大赞一下Tertia的最后一首Sycamore）

Jamie Cullum - The Pursuit

从老爷车的片尾曲认识他，现在貌似是越来越红了，从上一张专辑开始突破传统的爵士钢琴小品，这张依然如此，音乐风格很丰富，翻唱的歌曲也很有自己的特色，完全不是你想象中那种正襟危坐的爵士歌手，专辑封面很好的表现了这一点

Them Crooked Vultures - Them Crooked Vultures

年度最大惊喜，Josh Homme + John Paul Jones + Dave Grohl，从一开始宣传就走神秘路线，吊足了大家的胃口，好在最后的作品没有让大家失望， 又怪异又根源，JPJ又拿出了新式武器，看的出这三人对待这张专辑的创作还是卯足了劲的

两张让我很难评价的专辑：

Muse - The Resistance

两张都属于有好歌但整体欠佳的专辑，Muse的新专辑雷点很多，第一遍听完以后感觉不知所云，从摇滚到流行到交响玩了个遍，有United States of Eurasia这样大爱的歌曲，有MK Ultra这样的日式风格，还有Undisclosed Desires这样骚瑞的R&B小曲。Muse曾经说考虑不出专辑只出单曲，后来虽然还是出了专辑但感觉也就是把各种单曲塞到了一起，整体感很缺乏。

John Mayer - Battle Studies

整体来说应该是挺失望的，从歌名开始到封面透露都让我有不祥的预感，等到专辑发行以后果然如此。这张专辑大大减弱了吉他的比重，以前穿插那些灵动的lick完全不见踪影，取而代之的是极为普通的伴奏，最喜欢的一首Crossroads还是翻唱（虽然这是我最喜欢的Crossroads的版本）。当然好歌还是有，Assassin，Friends, Lovers or Nothing都很不错，Heartbreak Warfare也是越听越有味道。Continuum通过大量的现场视频让我从开始的不喜欢转变为欲罢不能，Battle Studies里的歌曲虽然看不出这样的潜质，不过还是希望他在现场能多玩出点花样，在最近的几个现场已经初见端倪了。好在John Mayer说下张专辑会回到吉他为主的风格，并且不会等太久，但愿Battle Studies的收能带来下张专辑的放。

Ephel Duath - Through My Dog's Eyes

意大利爵士金属，短小精悍先锋依旧的概念专辑

Mastodon - Crack The Skye

美国前卫Sludge，这张很复古，深得我心，终于喜欢上Mastodon了

Ulcerate - Everything Is Fire

新西兰阴暗死亡，今年的大惊喜，加入不少Deathspell Omega式的段落，比处女作有了长足进步

Katharsis - Fourth Reich

德国黑金属，混沌但不失大气，还有些许前卫元素，最后一首大加分

Shining - VI - Klagopsalmer

瑞典自杀黑，Shining基本就是品质保证了，这张比V要更金属一点

Behemoth - Evangelion

波兰黑死，这应该算是Behemoth转型以后最重最残暴的一张了，一点点的管弦乐声部点缀的恰到好处

Secrets Of The Moon - Privilegivm

德国前卫黑，这张终于不再这么冗长，很细腻也不太偏离黑金属，气质上和Lunar Aurora接近

Nile - Those Whom The Gods Detest

美国残死，在曲子里加入埃及风味的吟唱是亮点，但整张专辑真的很匠气，主唱的声音也发飘，能入选基本也就是瘦死的骆驼比马大了

Lost Soul - Immerse In Infinity

波兰死亡，汇集了波兰死亡的一切特质和优点，既有力度又有氛围，制作精良，优秀程度堪比去年的Hour of Penance

Skitliv - Skandinavisk Misantropi

挪威厄运/黑金属，Maniac和Kvarforth的gay团，有点偏向于Shining式那种depressive，东西挺有嚼劲

候补：

1349 - Revelations Of The Black Flame
挪威黑金属/黑氛围，转型的不错，比继续当矿工有前途多了，翻唱Pink Floyd的Set The Controls For The Heart Of The Sun大赞

Immortal - All Shall Fall
挪威黑金属，基本保持了上两张的风格，要都像Hordes Of War这么爽的话铁定能进10大了

Megadeth - Endgame
美国激流，毁誉参半的专辑，能算是Countdown之后最Thrash的一张了，solo我不是太在意，Megadeth主要还是听马大卫的riff，相比之下Slayer真该洗洗睡了。另外Andy Sneap制作的音色我也一向挺喜欢

特别奖：

Emperor - Live Inferno

挪威黑金属，短暂复出后的现场依然横扫千军无人可挡，只可惜Prometheus里只唱了一首In the Wordless Chamber 

Level 1:

Jimmy Page (Led Zeppelin)
理由：不用说了，虽然弹琴灵气上或许不如另一个Jimi，但是腔调气质无可比拟

Jimi Hendrix
理由：也不用说了，神

John Mayer
理由：虽然他最大的影响来自SRV和Hendrix，但他的歌比SRV好听多了，John Mayer Trio简直就是Band of Gypsys的21世纪翻版。另外他是我熟悉的范围里罕见的电琴和木琴都玩的如此溜的吉他手（session乐手就不说了，Doyle Bramhall内牛满面）

Nuno Bettencourt (Extreme)
理由：Funk的律动实在无可抵挡

David Gilmour (Pink Floyd)
理由：这个音色和味道，此曲只应天上有

John Squire (The Stone Roses)
理由：Britpop中最根源最有大师风范的吉他手，Second Coming是一张被严重低估的专辑

Bernard Butler (Suede)
理由：他的吉他声部非常丰满，线条流畅，更关键的是能写好歌

Robin Guthrie (Coctewu Twins)
理由：音色帝，把吉他变成了合成器

Nick McCabe (The Veve)
理由：音色帝2，效果器狂人，我最喜欢的迷幻吉他之声

Jonny Greenwood (Radiohead)
理由：半个音色帝，扭曲的solo，抽风的台风。其实吉他手的称呼对他来说太局限了，喜欢他作为一个全能的音乐人远胜于吉他手（同理Steven Wilson，鉴于他也不以吉他闻名就不放进来了）

Level 2:

Jeff Beck
理由：大爱Who Else!开始之后的电子化风格，早期的Blues和中期的Fusion都一般

Brian May (Queen)
理由：作为老乐队入门的Queen感情深厚，另外他的音色我很喜欢

Tony Iommi (Black Sabbath)
理由：Heavy Metal riff之神

Pete Townshend (The Who)
理由：现场太给劲了

Jack White (The White Stripes)
理由：恐怕是21世纪最根源的吉他手，电气化Fuzz化的Delta Blues

Tom Morello (Rage Against The Machine)
理由：把吉他当Turntable使的吉他手

Stevie Ray Vaughn
理由：我其实最喜欢他Lenny和Riviera Paradise这样的曲子，以及013的粗弦下刚刚的音色

Jerry Cantrell (Alice In Chains)
理由：阴郁的riff太有味道了，木琴上的表现也很上乘

The Edge (U2)
理由：抛开上面那几个音色帝不谈，The Edge应该算是对各种音色的驾驭能力最好的吉他手之一了，每个效果器都加的恰到好处

Dave Navarro (Jane's Addiction)
理由：虽然他多次强调自己不是Funk吉他手，但正是那种淡淡的Funk味道让我着迷，在红辣椒的那张也很加分，不过他自己的个人专辑太失格了...

Level 3:

Keith Richards (The Rolling Stones)
理由：滚石的歌说不上有多喜欢，不过老头子干脆的弹琴风格还是挺喜欢的，很多小地方的blues lick很有味道，另外腔调大加分

Robert Fripp (King Crimson)
理由：King Crimson我只听过第一张，喜欢的是他个人专辑以及和Brian Eno鼓捣的那些Ambient作品

John Frusciante (Red Hot Chili Peppers)
理由：喜欢他的riff和闷音扫弦，但他现场的solo实在是有够烂，丫最近又退出红辣椒，专心搞他的Lo-Fi个人作品去了

James Iha (Smashing Pumpkins)
理由：虽然Billy Corgan对于SP的音乐方向大权紧握，但没了James Iha还就是不一样

Wes Borland (Limp Bizkit)
理由：造型帝，另外音色和riff在新金属里确实够好

金属吉他手：

Ihsahn (Emperor)
理由：太过牛逼的意识和技术，无与伦比的双吉他线条

Mikael Åkerfeldt (Opeth)
理由：纯粹的创作能力和革新精神

Chuck Schuldiner (Death)
理由：纯粹的创作能力和革新精神

Blasphemer (Mayhem)
理由：不局限于黑金属的范围内的话，他的音乐性要比大名鼎鼎的前任Euronymous强的多，Ordo Ad Chao终于大家都承认他的音乐了，之前两张都是被低估了的

Michael Amott (Carcass/Arch Enemy)
理由：旋律帝，可能是唯一一个让我不腻烦的旋律金属吉他手

Trey Azagthoth (Morbid Angel)
理由：阴暗帝，沉浸在H.R.Lovecraft世界里多年的强大黑暗气场

James Hetfield (Metallica)
理由：Thrash Metal riff之王，哇音狂Kirk Hammet去屎！

Dave Mustaine (Megadeth)
理由：和Metallica完美的形成了一正一邪（别提Slayer，凯丽金是糙哥）

在有着宏大音响效果的双专辑The Fragile发行6年之后，Trent Reznor带着被重新定义为简单化歌曲化的Nine Inch Nails回归了。94年粗粝具有攻击性的的专辑The Downward Spiral中迷宫般的歌曲结构被更直截了当的歌曲取而代之。他的政治观点是不妥协的：就在最近，在和MTV对于使用布什的影响作为他们表演The Hand The Feeds的背景的分歧之后，乐队最终选择了退出05年MTV电影颁奖晚会。

Native Instruments访问了Trent Reznor在洛杉矶的工作室并且讨论了新专辑的背景，他长期以来对Reaktor（一个模块化合成器音源）的癖好以及他未来的计划。

Q: 和早期的专辑相反，NIN的新专辑呈现出更抓人的流行曲倾向，你觉得With Teeth和之前专辑的最大区别在哪里？

A: 我在做这张专辑的时候是想做成和The Fragile相反的方向，那张专辑没有任何限定和框架，只要感觉对了就成，这次我回到了严谨的创作模式并且更基于歌曲。我不是说像流行歌曲那样，我是指结构上更接近于传统的歌曲，在旋律以及架构上更加严格。

声音上我想处理的尽可能简单，不再加入很多层的声音使得它听起来过于丰满。我想看看更歌曲化的创作会是什么样子，权当是一次实验了。

Q: 你对于歌曲化创作的重新定位是不是会影响到你的录制过程？

A: 这张专辑我回到了制作demo的模式，类似于我做第一张专辑的过程，每首歌大概都修改了30次，专辑就是在demo中完成了。不过当我有了一些钱的时候，我把所有事情都放在了工作室里。当我觉得有创作灵感时，我就会去我的工作室里。很快demo的制作方式就被舍弃了，因为创作，制作，声音设计，编排都变成了同一个过程，一首歌从一系列的声音，鼓采样或是一个抽象的视觉概念发展而来。

这一次我选择采取另一种方式，当我需要集中精力在一些我不那么自信的事情比如歌词以及歌曲本身的创作，我便不再做声音设计或是相关我喜欢做的事情。所以这次当我要完成一首歌的时候，我会每10天给自己设定了一个期限。我坐在电脑前，打开Battery（鼓音源），有时候也用Electric Piano（电钢琴音源），在电脑里录下人声。四五个月后我大概有了25首我觉得还不错的歌，不过那些都是没有经过编排过的demo。

我把这些demo集中起来，挑选出最优秀的作为专辑的曲目。然后我去新奥尔良的录音棚里正式录制。我想让它们听起来时基于直接演奏的，大多数的曲目都是录的真鼓。很多声音都是通过话筒录下来的，即使是一段合成器，声音都是从音箱出来使它更有演奏的感觉。我们把吉他和bass直接插进DI盒里，然后连到Reaktor里，我们用它做出了很多音色，用了大量的滤波器和各种失真的。只有很少的一部分在Pro Tools里编辑成切片，大部分都是完整的乐句和乐段。

Q: Native Instruments的软件在你的工作中似乎占据了核心的地位，你是如何了解到它们的？

A: 在我做The Fragile的时候，我们后来用了一台PC来运行Generator——Reaktor的雏形，要找到正确的接口并开始工作真是太困难了，所以我们只是随机做了一些声音设计，但这是我们用过的最棒的工具了，因为它能比你可以想象到的层面更加深入。我们花了大量的时间在这上面鼓捣出了不少东西。

在过去的两张专辑中Battery是我用的唯一的鼓音源，我非常喜欢它的工作方式。他的设置就和我想的一样，并且拖拽起来非常方便。当Kontakt（一个采样器软件）出来的时候，我主要把它作为一个声音设计的工具而非采样器，因为我们已经开始用了别的格式。在Kontakt里差不多所有声音在几分钟里都能变成一个非常有趣的样本。我觉得这款软件真正开创了它的世界而非单纯的模拟硬件，同时它本身也是一件非常好的（虚拟）乐器。

Q: 吉他和失真音色一直是Nine Inch Nails音乐里重要的部分，你在这张专辑里是如何制作这些声音的？

A: 在很多我们的歌曲里，我们把Reaktor当成是一块吉他效果器，好像是一块终极的失真。你不需要在地上放这一整排的效果器，很多都在Reaktor里通过软件效果器完成。

Q: 你选择使用Reaktor而非Guitar Rig？

A: Guitar Rig最终还是以它自己的角色进入到我们的制作过程中。有时候我们制作了一个非常干净的音色，只用到了音箱模拟或者若干个不同的音箱，我们把Guitar Rig的音箱模拟作为任何我们可能需要用到的箱头。在录音棚里我们有两台苹果G5，一台在Pro Tools里运行Guitar Rig，另一台在Logic里运行Reaktor，因此我们可以使用所有我们所需要的马力然后数码转换到电脑里的Pro Tools系统。我们不会过量的使用电脑，不过有两轨乐器在不断重复，即使这张专辑里的大部分合成器音色都是用这些软件制作的。我想要的是一个科技含量并不太重的声音，和The Fragile截然相反的声音。

Q: 还有其他什么软件你最近在试验的嘛？

A: 我用Spektral Delay（一个延时效果器）制作了一些声音并且我很喜欢玩Vokator（一个声码器）。不过和我做第一张专辑时不同的是，那时候我只有一个Emax采样器，我知道每一种可能的用法，今天让我对每一样东西都有如此的了解是不可能的了。

Q: 一般来说，你喜欢制作自己的音色还是软件的预置音色？

A: 那要看情况，在以前我买新的合成器，在今天看来就是一个新的软件。我总是能得到灵感好像新歌就要破茧而出了。当我听到它的时候，弄明白这玩意到底能干什么，学习如何操作它，以及它在音乐上有多大的用途就是我最初的兴奋。

过去我是这么做的，听一会儿预置音色，然后把它们删除，然后找出各种可能性，就像是随机的创造新东西。然后你就能知道如何把随机的东西编辑成能够更好操控的东西，看它能在这样的情况下如何使用，我很少会使用预置音色。然而在如今，太多的东西都有这很深的深度，你们（NI公司）对此要负很大的责任，我没有那么多时间达到N多年前我对合成器使用程度的水平。

Q: 接下来你将要进行将近1年的巡演，新专辑的工作也已经开动了，我想下一张专辑因为创作时间接近的关系可能会和With Teeth比较相似？

A: 我是有一些没有放到专辑中的歌曲，因为我想把专辑长度控制在易于接受的范围里。不过我也意识到当我完成专辑的时候我还没有完全走出创作过程，还有许多想法似乎就要迸出。我猜想这张专辑内1/3的东西会成为下一张专辑的一部分，具体要看到那时候是什么让我获得灵感了。

Q: The Hand That Feed的分轨文件可以在iTunes音乐商店里下载，你允许歌迷对这首歌进行混音，你能解释一下这么做的原因么？

A: 当The Fragile发行的时候，有人表达了希望能对歌曲进行改编试验或者重新混音的兴趣，这些我也想到过，我们在Shockwave里制作了一个工具，但是那很烂，你不能对五轨以上的音频进行混音。

然后我意识到我还没有用过Garage Band，那时候我还不知道这是干嘛用的，但后来我知道这是每个Mac电脑里都免费赠送的一个小型音频工作站，然后我就在想，如果我把The Hand That Feeds的分轨文件全部导成Garage Band支持的格式这样你就可以播放和混音，那听起来会如何。所以我把分轨文件转换成loop这样能使文件小一些，这个混音的版本出乎我想想的好，缩减成了15到20轨立体声音频。

Garage Band的有趣之处是它可以随意拖拽操控loop，软件背后复杂的科技让它用起来非常简单。你可以随意的更改速度比如把这首歌做成Trip Hop那样。我花了5个小时对我自己的歌重新混音，然后我想如果把它放到网上会很棒，所以我向唱片公司解释了他们也表示理解。就在前几天，我看到一个网站上有几百首重新混音的版本，令人吃惊的出色。

A: 有哪些东西你会在以后的音乐中继续运用？你会不会允许听众和你的音乐进行进一步的互动？

Q: 恩它使得音乐创作更加透明，而从中我并不会失去什么，那很有趣并且科技是免费的。我不确定其他乐队会不会乐于看到歌迷下载他们歌曲的分轨文件，反正我是会那样做的，只是为了好玩。不过我们的混音平台没有任何大型的计划，不会试图控制全世界或是谋取利益什么的。

A: 最后，你对Native Instruments公司的未来有什么展望吗？

Q: 一直触动我的是NI公司的产品一向的高质量以及它的深度，我不是因为接受你的采访才这么说的。这就是我为什么从来不使用盗版软件，正是付给产品的价格才使得它们能够存活下去，NI公司的产品确实值这个价钱。

当合成器从3500美元到买的起的软件插件时，整体声音似乎变的不那么重要，事实上它可能是个很烂的合成器，它听起来还不错只是因为它经过了多层处理，布满了混响和合唱，所以你就不会注意到它背后的声音其实很烂。但是NI的软件总是能深入到额外的细节，不仅仅是它的声音，你可以看到它的很多想法。NI公司倾听音乐人的需求，如果不是因为你们的软件，我很少接受一个公司的采访。我真的觉得NI是一个极其棒的公司，有着一系列出色的产品。这不是为了得到什么回报，而是真正表达了我的想法。

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在Grizzly Bear为Radiohead开场的08年巡演时，Jonny在台上表达了他对Grizzly Bear的喜爱，并称是他最喜欢的乐队，而他最喜欢的吉他手之一是Megazine乐队的John McGeoch。（注：最近Megazine邀请Jonny同台表演，而他因为太过震惊和羞涩而婉拒了）

2004年5月Jonny作为作曲家受聘于BBC，这给了他创作管弦乐作品的机会。他创作了三首作品，分别是Smear, Piano for Children和Popcorn Superhet Receiver。Smear首演于2004年。05年4月23号在伦敦，由BBC交响乐团现场演奏的他的三首作品在BBC Radio 3首次播出。Smear和Popcorn Superhet Receiver的乐谱可以由伦敦的Faber Music出版社出版了。Smear也曾经由Martyn Barbbins指挥的London Sinfonietta室内乐团录音过，这是Jonny第一次录他的管弦乐作品。

Jonny在06年赢得了Radio 3举办的英国作曲比赛听众选择奖，获奖作品是Popcorn Superhet Receiver，这部作品的灵感来源于电台静电声，以及波兰作曲家潘德列斯基的作品《广岛受难者挽歌》中刺耳不和谐和弦的音响效果，这部作品可以再BBC的网站上听到。在获奖的同时，Jonny获得了10000英镑的经费并且受PRS基金会的委托创作新的管弦乐作品。

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Analyse的灵感是来源于Thom在牛津时的一次停电的经历，Thom有一段时间住在了牛津市中心一条布满了1860年代的古董建筑的街上，有一天晚上他回家的时候，那条街道突然停电了，Thom对此说到：“所有的屋子一片漆黑，透过窗你可以看见蜡烛，这就是当初刚建成这些房子时的景像，那真是美极了。”

Black Swan要追溯到Kid A的录制时期，只是“一些细碎的东西”，最初的样本是Ed和Phil在00年时创作的，Thom把它做成了零碎的切片。

Thom说And It Rained All Night中有着很多The Glaoming中细碎的元素，Thom有一天晚上在纽约大雨滂沱无法入睡时创作了这首歌，他说这首歌中的bassline让他“感受到那种遗失多时的兴奋感”。

Cymbal Rush是源于Try to Save Your Prize，一首The Most Gigantic Lying Mouth Of All Time DVD中的器乐曲。Thom说这首歌包含了一个他已经有了3年的一个想法，从一个音符上便可以直接听到旋律。然而，他说“如果你放给别人听但除去唱的话，你会觉得，这到底是什么东西。”

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在04年的休息之后，Radiohead在05年2月份开始着手于第七张专辑的工作，在8月份开始了录音，乐队不定期在他们的新blog Dead Air Space上向歌迷更新他们的最新进展。录音持续到了06年早期，但进展缓慢。Thom说：“我们花了大量的时间在录音棚里哪里也不去，浪费时间，非常非常令人沮丧。” 进展的拖拉是由于乐队在休整过后难以重新找回状态，以及没有设定最后期限和制作人的鞭策。06年2月，乐队选择了和制作人Mark Stent合作以取代了他们的常年的合作伙伴Nigel Godrich，Colin对于这个决定解释到：“Nigel和乐队互相之间都太过了解了，这对我们来说有些太过保守了。”虽然这时候乐队已经写完了一些新歌，但到06年4月份和Mark Stent的工作结束时，几乎没有录下什么东西。

于是乐队决定再次开始巡演，给自己一个工作目标。关于巡演前的准备，Thom说：“突然每个人都开始主动起来，并且没有人再感到扭捏了，因为不在录音棚里了……我感觉我又回到了16岁。”06年的5月和6月，乐队在欧洲和北美的各大城市进行了巡演，并在8月回到欧洲参加了若干音乐节。乐队还在一些诸如俱乐部和剧院的小型场地就行了演出，这是他们多年来的首次尝试。当然还有一些大型的音乐比如Bonnaroo和V Festival，他们在V是主打乐队并且在Bonnaroo演出了多年以来最长的一次现场，一共有28首歌。在巡演的曲目中，包括了他们在录音棚里正在录制中的新歌。

巡演过后，10月份乐队与老搭档Nigel Godrich在Marlborough的Tottenham Court House重新开始了录音工作（又是乡村…）。与05年的僵局不同的是，这次的进展非常之快（每张专辑都要这么来一下…），最终版的Jigsaw Falling Into Place和Bodysnatchers均在那里录制完成。Thom在Dead Air Space上说：“我感觉到录音终于开始驶向了正确的航道。”06年12月，一些额外的录音在位于Taunton的Halswell House以及Godrich的位于Coven Garden的Hospital Studios进行，在那里乐队录制了Videotape并且完成了最终版的Nude。07年1月中旬，乐队在他们牛津的录音棚中继续了录音，并且开始把一些照片，歌词，视频以及一些新歌的样本放到了Dead Air Space上。4月底，Thom说乐队已经完成了一张CD内容的新作品。6月份，Godrich把一些已经完成混音的新歌片段放到了Dead Air Space上，包括Jigsaw Falling Into Place（在06年巡演时的名字叫Open Pick），Down Is the New Up, Bangers + Mash, All I Need, Faust Arp和Weird Fishes/Arpeggi。在6月份完成了专辑的录音后，7月份Bob Ludwig在纽约完成了母带处理。（吐槽：这音色就跟没做过母带处理一样…）

音乐风格及影响

专辑内包含了很多在06年的巡演时首演的歌曲，包括15 Steps, Bodysnathcers, All I Need, Videotape。Arpeggi和Open Pick在专辑里的歌名则分别改为Weird Fishes/Arpeggi和Jigsaw Falling Into Place。Nude首演于OK Computer时期的巡演，最终在07年的专辑In Rainbows中出现，尽管有了不同的编排。Reckoner首演于01年的演出，但专辑里的版本已经大相径庭了。Thom和Jonny为这首歌加入了新的素材并且之后舍弃了之前的版本。

开场曲15 Step，乐队得到了来自一群牛津Matrix Music School & Arts Centre的孩子们的帮助，Colin和Nigel起初在歌中录了鼓掌声，但后来被认为并不太好，所以他们决定录下孩子们的欢呼声取而代之。Bodysnathcers，被Thom描述为听上去像是“Wolfmother和Neu!遇上了迷幻摇滚”，录制于一段他的狂躁亢奋期间。在All I Need中，Jonny想要重新捕捉乐队在房间里大声演奏后所产生的白噪声，一种在录音棚里从未出现过的声音。他的解决办法是让弦乐组演奏音阶里的每个音符，覆盖各个频段。Thom说Videotape的创作过程是“绝对的痛苦”，说这首歌尝试了每一种可行的方案。（再吐槽：那在专辑里还弄成那样！）有一天，Thom离开了录音棚，回来时发现Jonny和Nigel已经把这首歌简化成最终出现在专辑里的版本，一个无比简单的钢琴歌谣。（a minimal piano ballad）

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Hail To The Thief是02年的秋天录制的，在02年夏天的时候，乐队在现场表演了14首歌曲中的12首，只有Backdrifts和The Gloaming不在其列。部分歌曲诸如Sit Down, Stand Up和I Will，在90年代就已有了雏形。而根据Ed的录音室日记，A Wolf At The Door在Kid A时期便已出现了，Myxomatosis的歌词是出自之前的B-Side歌曲Cuttoth的副歌部分，其他的歌词最早出现在Thom和Stanley Donwood所做的High And Dry单曲的artwork里。

大部分的曲目都在2周内完成于洛杉矶的录音棚中，这是自Pablo Honey以来最短的录音过程。一些除了混音之外的额外工作是在牛津完成的。快速的录制过程是乐队成员为了有更多的时间陪伴家人的折中办法（这时候大部分人都有了孩子），同时也缓解了之前录制过程中的紧张气氛。Ed在一次Yahoo的采访中说到：“这是第一次在录音结束的时候我们不想杀了对方。”对此Thom在06年的时候说：“我希望能重新有一次制作Hail To The Thief的机会，我们那时候想尽快完事，我觉得歌曲质量受到了影响。这是一次实验，每张专辑都是不同的实验。”

在专辑正式发行的几个月前，一个还未进行母带处理的版本泄露了出来，制作人Nigel Godrich在Radiohead的官方留言板上表达了他的失望之情，因为他觉得乐队的作品以一个不完整的面貌出现在公众面前。Jonny说：“很遗憾泄露版没有包装，artwork这些东西，但是事情就是这样，我感到有些茫然，不过并不感到愤怒。我很高兴大部分人还是喜欢这张专辑，只是比我们预期的要早了一些。”两个版本都听到的人注意到了最终版本的专辑里有着些许不同（例如，泄露版的The Gloaming比正式版里短了1分钟，而I Will的木吉他前奏在正式版里被拿掉了。）抛开泄露版不谈，Hail To The Thief的首周销量要比Kid A和Amnesiac高，但是最终的商业成绩却不如Kid A。

音乐风格及影响

Hail To The Thief里吉他的分量要比前两张加重了许多，并且也是所有专辑中钢琴分量最重的，同时也保留了电子节拍以及采样技术。Thom和Jonny，除了人声和吉他以外，在专辑内都用了笔记本电脑来创作，用到了很多音序器软件比如Cubase，Pro Tools和Max/MSP，除此之外，Jonny继续使用了Martenot琴，一种他从Kid A和Amnesaic时期开始使用的早期电子乐器。

在采访中乐队成员表示他们试图在Hail To The Thief用现场化的风格来录音，不用太多捕捉他们在演出中的声音，但却自然达到了更多的能量并且尽可能少的使用overdub。乐队解释说类似Sit Down, Stand Up这样的歌里的电子部分并不是事后加上去的，而是在同时同地同吉他钢琴人声等一起录制的。“在01年的美国巡演中，我想我们对乐队的表现颇为满意”，Ed在对Yahoo的采访中说到，“我们想把这一点也表现在专辑中，同时我们也不想花太多时间在棚里。”Thom说：“上两张专辑的确令人头痛，我们花了很多时间在电脑和各种电子设备上，我们都觉得，’够了，我们不能再这么干了’。这次我们仍然使用了电脑，但是是和其他乐器一起在房间里。”另一个例子是专辑的第一首歌也是最后一支单曲2+2=5，从一段电鼓节奏进入并发展成重音高潮。

乐队吸收不同音乐风格仍然是专辑的亮点，在感谢名单中Jonny提到了Jeanne Loriod，一位著名的Martenot琴演奏家，在专辑发行前不久刚刚去世。受到法国作曲家梅西安的影响，Jonny在Kid A时期开始演奏Martenot琴，并在这张专辑中的Where I End And You Begin和We Suck Young Blood用到了它。Ed提到了滚石对乐队的创造性有着不小的影响，尽管在Where I End And You Begin和I Will中引用了Beatles的段落。在采访中还透露，Neil Young对在当时对Thom的影响最大，而他本人说There There的灵感直接来源于Krautrock乐队Can，Jonny则提到Siouxsie And The Banshees对他在吉他上的影响。 

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根据吉他手Ed说：“我们不得不在录音棚里把一首歌从零做起，而不是直接演奏、排练然后拿到现场去表演。我们在专辑里都没有弹多少吉他，突然间我们有了机会和自由像Massive Attack那样做音乐：乐队作为一个整体对专辑进行操控，而非每个人只演奏指定的部分。面对不用在歌曲中演奏我们通常所演奏的乐器，还挺难调整过来的，有时候甚至什么都不用演奏。不过一旦当你克服了这种不安全感，那就好多了。”

当讨论到为什么作为两张专辑发行而非一张时，Thom说道：“两张专辑分开发现是因为它们互相并不十分契合，无法作为一个完整的成品。从某些程度上来说，Amnasiac就像是对Kid A的另一种诠释。Kid A的录制期间是非常令人痛苦的，而这就是像看到它的背面，把破碎的东西整合到一起。”在谈到和之前录音不同的地方，他补充说，“我认为专辑的artwork是阐述它的最好途径，它和Kid A的artwork是完全不同的。火焰燃烧到了山的另外一头，在Amnesiac里，当大火燃烧时你却身处森林。”（这句没看懂，原文是The fires were all going on the other side of the hill. With Amnesiac, you're actually in the forest while the fire's happening）

Thom说：“我读过一些诺斯替教(注：初期基督教的一派,尊重某种灵的直觉,含有西亚、东亚哲学,曾被视为邪教)的东西，说我们生来就被迫忘记我们是从哪里来的，为了能愈合我们来到这个世界所受到的心理创伤。我觉得这很吸引人，就像一条遗忘河流。Amnesiac可能是在和Kid A同时期录制的，但却是来自一个完全不同的地方。就像是在某人的阁楼里寻找一个旧柜子，带着各种纸条，绘图，地图和描述去到一个你不记得的地方，反正我就是这么觉得的。”

专辑内写着“献给Noah和Jamie”，分别是Thom和Phil的儿子，都是在Kid A和Amnesaic发行期间诞生的。

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